Дневник Шестого Платоновского фестиваля.

В этой ленте новостей «Афиша+» рассказывает о событиях Шестого Платоновского фестиваля.

Парад уличных театров

12 июня, в День России, проспект Революции стал одним большим уличным театром. В одной толпе смешались красивые костюмы, блестки, волонтеры, зрители, которые волной переливались от здания ЮВЖД к «Утюжку» и обратно - для того, чтобы повнимательнее рассмотреть всех героев шествия.
Тон движению задавали духовой оркестр и четкие барабанные ритмы в исполнении девушек-гвардейцев, но главными ответственными за музыкальную часть парада стали диско-пираты «Огненные люди». Эти ребята из Москвы в цветочных костюмах и солнцезащитных очках кислотных цветов по-настоящему зарядили толпу и заставили ее, как завороженную, плыть за ними, чтобы получить новую порцию битов, драйва и блесток из пушки-хлопушки.

«Смотрите, балерины на ногах-ходулях» - так кричали дети (и некоторые взрослые), завидев шествующих по проспекту-подиуму гигантских балерин голландского театра PAVANA. Труппа из Амстердама уже не впервые приезжает на Платоновский фестиваль. Зрители вновь остались в восторге - на этот раз от их новой программы «Балерины». Этот вихрь красок и разноцветья надолго останется в памяти и инстаграме воронежцев. Ищите фото по хештегу #pavana

Одним из самых желанных для фотографов всех мастей стало шоу «Пузыри Надежды» - творение популярного московского художника и модельера Андрея Бартенева. Бартенев, известный своими эпатажными, даже полиморфными, костюмами был верен себе и на этот раз. Десятки людей: внизу - ноги, а вместо остального тела - разноцветные шары. Такие виноградные грозди танцевали, извивались и веселили публику одним своим видом. Ходячие мыльные пузыри тоже заслужили свое почетное место в ленте инстаграма и хештег #пузыринадежды

Нельзя не отметить, насколько была разношерстной публика. В то время, как одни чуть ли не со слезами на глазах восхваляли всех, кто придумал этот фестиваль, другие стояли в сторонке и отчаянно вопрошали, куда катится искусство. Возможно, последние просто не знали о столь масштабном действе и просто приехали в центр города отметить День России, который выпал, по иронии судьбы, как раз на воскресенье. Одно можно сказать точно: парад уличных тепатров можно считать самым ярким и зрелищным событием года в нашем городе. #платоноввмассы


Людмила Волкова
Фотографии Евгении Небольсиной и Романа Остроухова

Музыка мира в Белом колодце

В минувшую субботу Платоновфест во второй раз провел однодневный опен-эйр «Музыка мира в Белом колодце». Подробности и огромный фотоотчет - в нашем материале.

Книжная ярмарка Платоновского фестиваля

На Советской площади заканчивает свою работу Книжная ярмарка Платоновского фестиваля, продолжительность которой в этом году увеличилась до 4 дней (с 10 по 13 июня). На ярмарке представлен ассортимент более 130 издательств, среди которых - как постоянные гости Платоновского фестиваля, так и новые участники.
Смотрим фотоотчет с открытия ярмарки, на котором выступили участники фестиваля «Музыка Мира в Белом колодце», литовская регги-группа Ministry of Echology.

Концерт Барри Дугласа в филармонии

Вечером в минувшую пятницу в филармонии выступил ирландский пианист Барри Дуглас. В его исполнении прозвучали фортепианные сонаты Берга, Шуберта, Бетховена, «Ночная пьеса» Бенджамина Бриттена, а также несколько номеров на бис.
Как и Марио Брунелло, выступавший на Платоновском фестивале тремя днями ранее, Дуглас одержал победу на Международном конкурсе им. Чайковского в своей дисциплине в том же 1986 году. Так же, как и в случае с итальянцем, эта победа стала поворотным моментом в карьере музыканта. Правда, в отличие от Брунелло, который до 1986 года не участвовал ни в одном конкурсе, Дуглас приехал в Москву уже имея в послужном списке несколько лауреатств. Более того, он принимал участие и в предыдущем конкурсе им. Чайковского, но в 1982 году жюри отсеяло его уже после первого тура.

Одной из причин для повторного участия в конкурсе Барри Дуглас называет любовь к русской музыке и русской публике. И если любовь к Рахманинову и Чайковскому абсолютно понятна, то относительно отечественной публики, которую нахваливает едва ли не каждый зарубежный музыкант, всегда хочется подробностей. Именно об этом и прозвучал вопрос на пресс-конференции.

- Прежде всего я хочу отметить высокий интеллект российской публики. В России зритель не только очень умный, но и очень эмоциональный. Он хорошо знает и любит музыку композиторов своей страны, а с 1986 года у меня в России появилось очень много друзей, и каждый раз, когда я вновь сюда приезжаю, я как будто возвращаюсь к себе домой.

Между тем пианиста Барри Дугласа вполне могло и не быть. До 16 лет он не мог определиться, к какому инструменту - кларнету, виолончели, фортепиано или ударным - больше лежит его душа, и занимался всем подряд. Дело случая, что в этом возрасте ему удалось взять несколько уроков у Фелиситас Ле Винтер, ученицы Эмиля фон Зауэра, который, в свою очередь, был учеником великого Ференца Листа. Фелиситас помогла Дугласу сделать окончательный выбор и вселила веру в то, что он сможет добиться серьезных высот как пианист. А как бы сложилась его жизнь без этой встречи?

- Скорее всего, я бы выбрал кларнет. Я всегда восхищался этим инструментом, выделяя его для себя из всего симфонического оркестра. Однако когда в те же самые 16 лет я брал уроки по кларнету, моя педагог, приехав с гастролей, сказала, что я играю замечательно, но ей гораздо нужнее, чтобы я исполнял партию фортепиано на выступлениях ее других студентов-кларнетистов.

Включить в программу концерта музыку кого-то из современников Платонова было одним из пожеланий дирекции Платоновского фестиваля. Соната Берга, одно из ранних сочинений композитора, прозвучала на пятничном концерте едва ли не лучше всего остального. Светлая, лаконичная, довольно благозвучная, она стала достойным началом вечера. Однако в дальнейшем Дуглас был совсем не безупречен - и в техническом, и в музыкальном отношении. Интеллектуальная российская публика, естественно, не могла этого не замечать. А мы приведем лишь один, вполне корректный, отзыв, который довелось случайно услышать в антракте в фойе филармонии: «Ну, это, конечно, не Плетнев, но пианист значительный».

К слову, как и Михаил Плетнев, Барри Дуглас является основателем и бессменным руководителем оркестра - коллектива, который носит название «Камерата Ирландия». Уроженец североирландского Белфаста, он прилагает все усилия к тому, чтобы с помощью музыки объединять людей, живущих в зоне застарелого политического противостояния. Осознавая нужность этой миссии, оркестру Дугласа помогают правительства и Великобритании, и Ирландии.

А еще Барри Дуглас - замечательный педагог, в чем сегодня уже убедились участники и зрители мастер-класса, который музыкант провел в Специальной музыкальной школе.

Кирилл Радин
Фотография Евгении Небольсиной

Спектакль «Город» в Театре юного зрителя

Вчера в Театре юного зрителя состоялась российская премьера спектакля «Город» израильской театральной компании Incubator Theatre.
«Город» - это остросюжетная хип-хоп-опера, созданная в стилистике детективов и фильмов-нуар 40-х годов. Как и положено всем нуаровым детективам, в центре сюжета спектакля - проженный, циничный частный детектив и роковая красавица. Детектива зовут Джо, и он, согласно пресс-релизу, представляет собой нечто среднее между Хамфри Богартом и Jay-Z, а красавица Сара в красном платье «с декольте глубже, чем Атлантический океан» - певица. Джо берется за расследование загадочного исчезновения сестры Сары, и это решение может стоить ему жизни.

«Город» является детищем участников известной израильской хип-хоп-группы The Victor Jackson Show. Музыканты не только написали все композиции к спектаклю, но и сыграли главные роли в нем, а один из них, Амит Улман, выступил в качестве постановщика. Герои «Города», не стесняясь в выражениях, разговаривают со зрителем языком рэпа и бит-бокса, причем нужно хорошенько собраться, чтобы успевать за всеми шутками и тонкостями этой искрометной пародии. «Зонтики что, вышли из моды? - спрашивает Джо у промокшей под дождем Сары, стоящей на пороге его офиса. И тут же звучит его голос «за кадром»: «Я специально сделал паузу, вдруг она догонит шутку». Рецензент тель-авивского TIme Out, назвавший «Город» «комедийным шедевром», явно не сильно преувеличивал. Чтобы по достоинству оценить все шутки, и понять в конце концов «как же, черт возьми, им впятером все это удается делать», израильские зрители с удовольствием пользуются возможностью посмотреть «Город» не один раз, а некоторые даже сбились со счета.

Вчера вечером в ТЮЗе шутки сыпались градом, строчили пулеметной очередью («Единственный супергерой в этом городе - супермаркет», «- Do I look like a mattress? - No. - Then why are you lying on me?!»), а зрители под конец спектакля так разошлись, что исполнителю главной роли пришлось импровизировать: «Субтитры рушат наш спектакль! Вы смеетесь раньше, чем мы успеваем договорить!» За стремительным перечислением исключений в английском языке следует песня с текстом, состоящим из названий поп-хитов и строчек известных песен («Мне кажется, все что я говорю, - такое клише», - делает герой признание в конце), за ней - монолог о последнем слове минут на пять («Когда человеку дают сказать свое последнее слово, нужно сказать, что-то мудрое, показать, что ты понимаешь, что происходит, но что делать, если ты не понимаешь, что происходит?!»). Все это щедро разбавлено музыкальными номерами, в результате чего из головы долго не вылетает припев песни про Сару Беннетт («Sarah who? - Bennett, Bennett, Bennett, Bennett»)!

В общем, если вам вчера не удалось попасть на премьеру «Города», попытайтесь прорваться сегодня! А если попытка не увенчается успехом, не отчаивайтесь: сегодня в 22.00 в арт-центре «Коммуна» актеры спектакля «Город» устроят импровизированный джем.

Incubator Theatre появился в 2005 году в Иерусалиме с целью объединения независимых творческих групп. За десять лет компания создала более 30 оригинальных шоу и спектаклей, успела прославиться за рубежом и даже побывать в эпицентре скандала. В 2014 году «инкубаторцы» со своей хип-хоп-оперой «Город» были заявлены в программе Эдинбургского Фринджа, крупнейшего фестиваля театрального искусства в мире. Приехав в Эдинбург, компания вдруг получила отказ площадки и руководства фестиваля из-за протестующих пропалестинских активистов, среди которых были писатели, актеры, режиссеры и другие деятели культуры Шотландии. Они написали письмо, в котором призывали организаторов Фринджа исключить из своей программы театр, который спонсируется правительством Израиля. Представители правительства Шотландии уверяли СМИ, что они не могут влиять на программу фестиваля и призывать удалять из нее уже заявленные постановки. Художественный руководитель компании Арик Эшет объяснял, что правительство Израиля финансирует искусство ради искусства, а сами спектакли Incubator Theatre могут критиковать действия руководства страны. В качестве протеста была сыграна молчаливая версия «Города» на одной из улиц Эдинбурга, высмеивающая всю нелепость политических игр на поле культуры и искусства уже только одним своим форматом: ведь хип-хоп-опера (в которой по определению много текста) без слов - это чистый абсурд. Жаль, что перформанс израильского театра увидеть смогли немногие: актеры были окружены плотным кольцом охраны, за которой толпились переживающие за Палестину активисты.

«Это все остается на совести Эдинбургского фестиваля, - высказал свое мнение основатель Incubator Theatre на пресс-конференции с воронежскими журналистами. - Они видели спектакль и знали, что в нем нет ничего политического. Эдинбургский фестиваль был создан вскоре после Второй мировой войны, чтобы дать возможность высказаться все нациям. Это, несомненно, нарушение свободы слова». Чтобы не заканчивать на минорной ноте, Арик Эшет рассказал, что вскоре Incubator Theatre вернулся в Великобританию и с успехом выступил в Глазго и Лидсе.


Роман Дранников
Дарья Кобзаренко
Фотографии Романа Остроухова

Спектакль «Идеальный сад» в Камерном театре

6 июня на большой сцене Камерного театра состоялась российская премьера спектакля «Идеальный сад» компании Liquid Loft. Мастерски синтезируя в одном перформансе трансляцию с видеокамеры на большой экран с актерской игрой, современной хореографией, звуковыми и светопартитурами, Liquid Loft создают удивительные синтетические постановки, которые скорее относятся к экспериментальному актуальному театральному искусству, нежели к театру в том виде, в котором его привык воспринимать среднестатистический зритель.
Примечательно, что создатели этого творческого объединения Крис Харинг и Томас Елинек, встретившиеся с журналистами накануне премьеры, не считают Liquid Loft мультимедийным проектом. «Мы не заказываем художникам видеоарта создавать какие-то отдельные сложные видеопродукты для наших спектаклей, но сами минималистичными способами делаем low-tech съемку, органично вписывая ее в свои постановки».

С помощью видеосъемки Liquid Loft не только создает синтетические театральные представления, но и исследует взаимосвязи разговорного языка и языка тела. «Наша компания мультикультурная, в ней работают артисты из разных стран. Удивительно, как разговорная речь разных народов влияет на пластику, движения их представителей, все немного по-разному воспринимают и воспроизводят темп, ритм… Мы записываем на аудио и видео, как танцор разговаривает на своем языке, а потом показываем ему и смотрим сами, как лучше именно для него продумать и сочинить танцевальную партию. Это помогает в работе над спектаклем», - отмечает Крис Харинг.

На самом деле спектакль, который увидел воронежский зритель, называется «Deep Dish» («Глубокая тарелка») и является финальной частью проекта «Идеальный сад», созданного Liquid Loft совместно с французским художником Мишелем Блази. Скульптуры и инсталляции Мишеля Блази сделаны из органических, хрупких, скоропортящихся материалов, часто из продуктов питания, например, пасты, овощей, фруктов, крупы, а иногда и химических продуктов - пены, клея. Демонстрирующие все стадии жизни - как растительной, так и животной, - работы Блази растут, цветут, вянут, высыхают и трескаются на глазах зрителей. Оставленные жить собственной жизнью, они являют собой экспериментальные, но живые иллюстрации неконтролируемых природных процессов. «Процесс гниения, разложения - образ смерти и часть естественного процесса, - рассказывает о проекте „Идеальный сад“ Крис Харинг. - Проект посвящен искусству умирания, в спектакле же „Deep Dish“ эта идея сжата до размеров ужина, который помещается на тарелку. Поэтому в основе спектакля натюрморт».

Источником вдохновения для создания постановки послужил триптих Босха «Сад земных наслаждений», «самая старая научная фантастика» по словам Криса Харинга, а также один из самых загадочных французских текстов первой половины ХХ века - роман Реймона Русселя «Locus Solus», в котором все 7 глав подробно описывается 5-часовая экскурсия: главный герой - гениальный изобретатель - водит группу друзей по своему поместью, демонстрируя разнообразные диковины. Зритель «Deep Dish» - такой же гость органической страны чудес: он путешествует по съедобным ландшафтам, наблюдая за красотой и развитием жизни, которой рано или поздно суждено умереть.

Путешествовать, между прочим, приходится одновременно на трех уровнях, ведь «Deep Dish» - не просто спектакль, а настоящий фильм, создающийся в режиме реального времени в момент танца. Первый уровень - наша реальность, в которой мы следим за движениями танцоров, второй - натюрморт на столе, пейзаж в миниатюре, а третий - транслируемое на большой экран изображение этого съедобного натюрморта. Камера приближается, отдаляется, кружит, увеличивает, дробит и размножает эти фантастические овощные и фруктовые вселенные, уводя зрителя в леса петрушки и брокколи, в грибные пещеры, на клубничные горы, в моря с населяющими их микроорганизмами… Собравшиеся на трапезу люди, чинно и церемонно пьющие вино под светские беседы, вдруг постепенно сходят с ума, заводятся в экстазе неистовых дионисийских плясок вокруг стола, одержимо истребляют пищу… Безумие резко прекращается, начинается новая часть светского ужина и сюрреалистических разговоров на разных языках - о том, что в Норвегии есть банк, в котором хранятся семена всех растений, и в случае экокатастрофы на Земле они просто достанут и посадят эти семена и будут спасены, о том, что где-то в Северной Атлантике есть британская колония, жители которой вместо денег расплачивались картошкой, и что есть одна информация, которая буквально взорвет наш мозг, если ее рассказать.

Под странные завораживающие танцы и мрачный эмбиент еда на столе постепенно увядает, гниет и покрывается плесенью. Драма об умирании заканчивается космическим видеорядом: огромная планета (апельсин) медленно вращается на экране, ее сменяют кружащиеся космические тела: куски еды, как спутники и метеориты, проплывают перед глазами, а одержимые когда-то страстями люди в изумлении отходят и созерцают в безмолвии эту картину. Пришедший в упадок искусственный рай (Идеальный сад) со всеми его земными наслаждениями сменился бесконечным космосом.


Дарья Кобзаренко
Фотографии Евгении Небольсиной


Концерт Марио Брунелло в филармонии

«Я очень много играл с выдающимися, великими русскими музыкантами, и каждый раз меня удивляет и восхищает одна вещь. В Европе потихоньку, шаг за шагом, строят свое мастерство и потом просто выносят на сцену результат этой работы. Мне кажется у русских музыкантов другой подход, здесь они уже вырастают с установкой на то, чтобы полностью отдавать себя в момент исполнения музыки. Поэтому на концерте каждый раз происходит некое волшебство».
Вчера в рамках VI Международного Платоновского фестиваля в филармонии выступил итальянский виолончелист и дирижер Марио Брунелло. Прозвучали «Античные арии и танцы» Отторино Респиги, Концерт № 2 для виолончели с оркестром Нино Рота, Симфония № 1 Роберта Шумана, а также несколько номеров на бис.

Мы не случайно начали со слов Брунелло о России, прозвучавших на пресс-конференции. Этого музыканта действительно многое связывает с нашей страной. Один из самых важных, поворотных моментов в его жизни случился в Москве, когда в 1986 году на Международном конкурсе
им. Чайковского он завоевал первую премию (поделив ее с нашим соотечественником Кириллом Родиным - прим. авт.). «Конкурс Чайковского изменил мою жизнь полностью за один день. До того момента я никогда не участвовал в конкурсах, но тут решился. К тому времени я уже был концертмейстером группы виолончелей в оркестре театра Ла Скала, но мне не нравилось жить в Милане, потому что я родом из провинции. Я решил попробовать что-то изменить в своей жизни, но, конечно, не предполагал, что смогу победить на столь престижном конкурсе. И вдруг в одночасье все изменилось. Я общался в Москве вживую со Святославом Рихтером, Игорем Ойстрахом, Мстиславом Ростроповичем - у меня было полное ощущение того, что все предыдущее время я жил внутри скорлупы, а теперь, наконец, вылупился из нее».

Марио Брунелло - обладатель уникального инструмента, одной из самых старых виолончелей в мире. Она была изготовлена известным итальянским мастером Джованни Паоло Маджини в начале XVII века. Только подумать - все композиторы, создатели мировой сокровищницы академической музыки вплоть до любимого композитора Брунелло, Иоганна Себастьяна Баха, моложе ее! Эта виолончель обладает теплым, глубоким и благородным звучанием, а сам Брунелло говорит о ней так: «Виолончель - это мой близкий друг. Она познакомила меня с огромным количеством важных для меня людей, представила меня обществу. Она может говорить за меня в тот момент, когда я не знаю, что сказать». Как всякий настоящий музыкант, Брунелло относится к своему инструменту как к живому.

Концертная программа, по замыслу музыканта, должна была заставить публику проникнуться весенним духом, по которому сегодня особенно скучаешь под серым и плаксивым июньским (!) небом. Сочинение Респиги, представляющее собой небольшую сюиту, создает атмосферу весенней Италии. Необычайно светел и весел Второй виолончельный концерт Нино Рота, композитора, который широко известен как автор музыки к фильмам Федерико Феллини, Франко Дзеффирелли, Фрэнсиса Форда Копполы. Наконец, Первая симфония Шумана, написанная композитором в самый счастливый период его жизни, имеет подзаголовок «Весенняя». Публика по достоинству оценила весеннее тепло вчерашнего концерта и долго не хотела отпускать Брунелло, дважды заставив его выходить на бис.

Кирилл Радин
Фотографии Евгении Небольсиной и Романа Остроухова

Авторский концерт Беньямина Юсупова

В воскресенье в Театре оперы и балета воронежцы слушали музыку Беньямина Юсупова. Уроженец Душанбе, выпускник Московской консерватории, ныне проживающий в Израиле, исполнил собственный фортепианный концерт в сопровождении Симфонического оркестра Воронежского концертного зала, а также выступил в качестве дирижера во время исполнения увертюры «Фестивальный пульс» и Танго-рок-концерта для альта с оркестром. В концерте принимал участие Максим Рысанов, исполнивший альтовый концерт и дирижировавший фортепианным.
О Танго-рок-концерте Юсупова уже сейчас можно говорить, что он стал явлением в мировой музыке, мировым достоянием. Начиная с 2005 года, когда в немецком Ганновере состоялось его премьерное исполнение, этот концерт был сыгран около 50 раз в разных концертных залах мира. В нашу эпоху, когда новой музыке очень сложно пробиться к слушателю через классическую сокровищницу, это можно считать безусловным успехом; обычной участью нового музыкального произведения сегодня считается пара-тройка исполнений, после которых оно надолго, если не навсегда, забывается. Между тем потребность в новой музыке - и об этом на пресс-конференции, предварявшей концерт, говорил Беньямин Юсупов - в наше время велика. «За последние несколько десятилетий произошел колоссальный взлет мастерства исполнителей, а репертуар остается тот же. То, что сегодня делают такие люди, как Максим Рысанов, даже не снилось ни в девятнадцатом веке, ни в двадцатом - не только альтистам, но и скрипачам. Есть потребность максимального выражения мастерства инструменталиста, для удовлетворения которой существующего репертуара уже не хватает».

Одним из слабых мест у концертов академической музыки композитор назвал дизайн и то, как эти концерты проводятся - все очень традиционно, академические музыканты целиком сосредоточены на музыке, в отличие от театра, от тех же рокеров, у которых присутствует и свет, и шоу, и прочий антураж. Танго-рок-концерт - это попытка выйти за привычные для академической музыки рамки. Здесь есть и световое оформление, и электронное усиление звука солирующего альта, и электрогитара, и даже танец. Известный скрипач и альтист Максим Венгеров, которому посвящено это сочинение, был влюблен в танго («…и в тангистку!», - с улыбкой добавил на пресс-конференции Максим Рысанов, имея в виду танцовщицу), поэтому специально для него Юсупов написал танцевальную часть, где солист, по изначальному замыслу, откладывает альт и танцует с партнершей в сопровождении оркестра. Но, разумеется, не каждый альтист является еще и мастером танца, поэтому позже Юсупов создал еще одну версию этой части, в которой солист продолжает играть на своем инструменте, а танцуют профессионалы. Так и было на воскресном концерте. Лучшие российские танцоры, мастера аргентинского танго, чемпионы Европы и финалисты чемпионата мира Сагдиана Хамзина и Дмитрий Васин блестяще справились со своей задачей. И в первый раз, и на бис.

Фортепианный концерт Юсупова запомнился «диалогами» солирующего инструмента и оркестра, которые велись будто на разных языках, интересными тембровыми решениями, фольклорными мотивами. Последних было еще больше в увертюре «Фестивальный пульс», которая открывала концерт. Именно в ней, по словам Юсупова, можно увидеть и услышать Душанбе, родной город композитора. Город, который имеет полное право гордиться своим уроженцем - современником, которого скорее всего спустя годы будут называть классиком.

Кирилл Радин
Фотографии Евгении Небольсиной

«Сокровенный». Фотопроект Алексея Бычкова
на тему платоновского человека

Алексей Бычков, молодой режиссер и оператор, недавно представивший воронежской публике фильм о Самуиле Маршаке «Натанель», в уже сложившемся творческом тандеме с Камилем Тукаевым, соавтором идеи, дает свой взгляд на образ платоновского человека в фотовыставке «Сокровенный». Проект создан специально для Платоновского фестиваля.
«Около крайнего шалаша сидел голый человек, кожа на нем висела складками, как изношенная, усталая одежда; он перебирал на своих коленях тростинки камыша, собирая из них себе вещь для домашней утвари или украшение» (Андрей Платонов, «Джан»).

В темной комнате, занавешенной черными шторами, выставка фотографий с изображением актера Камерного театра Бориса Голощапова открывает нам взгляд нашего молодого современника на сокровенного человека Платонова, образ, который встречается не только в одноименной повести, но проходит сквозь все произведения писателя.

Это путешествие через внешнее (тело) к внутреннему, сокровенному. Груз жизненного опыта человека, его страданий, мыслей и образа жизни, груз судьбы целого народа и огромной страны, в котором живет человек - все это со временем отпечатывается на его теле. А что есть тело, если не физиологическое проявление человека в мире, в чем-то проявление его нутра, его сокровенного?

Алексей Бычков: «Сокровенный человек описан у Платонова очень физиологично, поэтому мой герой изображен в нарочито утрированных физиологических моментах. Это образ платоновского человека - не персонажа, а как такового явления в произведениях Платонова. Я представил этот образ как пейзаж человеческого тела, в котором есть впадины, расщелины, холмы. Игра света и тени подчеркивает эту натуралистичность, пейзажность - в черно-белой фотографии ее лучше всего наблюдать.»

Осматривать экспозицию автор рекомендует против часовой стрелки: «Это продиктовано чисто техническими соображениями. Если посетитель пойдет против часовой стрелки, он не будет попадать в световой луч и отбрасывать тени на работы, а ему не будет ничего бликовать. Работы подсвечены сзади - это дает ощущение, что они висят не на стенах, а как будто немного в воздухе».

Выставка работает в арт-центре «Коммуна» ежедневно с 3 по 14 июня с 10:00 до 20:00 (без выходных), 11 июня с 10:00 до 18:00, 12 июня (Фестивальная ночь) до 00:00. Вход свободный.


Дарья Кобзаренко
Фотографии Евгении Небольсиной

Инсталляция «Практики взросления»
Александра Шишкина-Хокусая

Инсталляция «Практики взросления» была впервые показана в питерском музее стрит-арта летом 2015 года в рамках выставки «Вспомни завтра», которую курировала Наиля Аллахвердиева, глава музея современного искусства в Перми. В Воронеже экспозиция разместилась, главным образом, на втором этаже бывшей типографии «Коммуны», в прошлом году закрытом для посетителей, и приобрела новую редакцию с учетом пространственных характеристик помещения.
«Название выставки „Практики взросления“ достаточно условно, - отметил Александр Шишкин-Хокусай. - Речь идет о некоем молодом государстве, которое населяют неокрепшие души - дикие дети, в чем-то похожие на обезьянок, о тотальности в плане формирования личности. Лабиринт этой бывшей типографии позволяет трактовать все помещение как пространство школы».

Почти две сотни фанерных расписанных вручную фигурок детей разбросаны по разным комнатам. Кто-то из них сидит перед телевизором, на котором крутятся диснеевские мультики, кто-то курит у окна, кто-то смотрит на лошадь, подвешенную к потолку - мотив ушедшего в прошлое ХХ века, времен, которые не вернуть. Большинство «детей» сидят в большой «классной комнате» на «уроке» - все в разных позах, одетые и обнаженные, а перед ними гигантские фигуры священника и учительницы.

Сюжет инсталляции показывает ритуальность передачи знаний: урок похож на мессу. Взросление по Шишкину-Хокусаю есть встраивание индивида в абсурдную и репрессивную систему общественных отношений, которая транслируется в культуре через институты воспитания и образования - такие, как церковь и школа.

Взрослые, конечно, без труда считают все пародии на социальные институции, вложенные автором в свою инсталляцию, дети же развлекутся и посочувствуют неказистым, неприкаянным душам, каждая из которых одинока в этой толпе.

«Детей жалко, это же школа! Школа - это всегда плохо», - говорит 14-летняя школьница Аня, посетительница выставки. И добавляет: «Впечатляет масштабами. Очень необычно».

Выставка работает в арт-центре «Коммуна» ежедневно с 3 по 14 июня с 10:00 до 20:00 (без выходных), 11 июня с 10:00 до 18:00, 12 июня (Фестивальная ночь) до 00:00. Вход свободный.


Дарья Кобзаренко
Фотографии Евгении Небольсиной и Андрея Парфенова

Спектакль «Сплетение» в Драмтеатре

5 июня в Театре драмы им. А. Кольцова показали спектакль «Сплетение», потрясающий образец «физического театра», главной и единственной героиней в котором выступила японская танцовщица и актриса Коари Ито.
Коари известна своей победой на международном танцевальном конкурсе в Сен-Сан-Дени, также она работала со многими известными хореографами, в том числе и с Филиппом Декуфле, Аленом Плателем, играла в акробатической театрально-цирковой пантомиме «До свидания, зонтик», режиссером которой стал Джеймс Тьерре, внук Чарли Чаплина, и даже снялась в фильме Александро Ходоровски «Поэзия без конца», который был представлен на Каннском фестивале.

Родители Ито - скульпторы, брат - художник, сама Коари с 5 лет занималась классическим балетом. «Моя семья всегда была немного вне общества Японии, я чувствовала это и хотела уехать. В 16 лет я одна переехала в Париж, надеясь найти здесь подходящую для меня школу танца, и однажды познакомилась с хореографом Филиппом Декуфле. Первый мой спектакль прошел в театре напротив Эйфелевой башни. Я пробовала себя во многих танцевальных проектах, даже участвовала в хип-хоп-состязаниях. И хотя я уехала из Японии еще совсем юной, до сих пор полностью ощущаю себя японкой».

«Сплетение» - танец марионетки между нитей, на которых подвешена платформа, где ходит, танцует, летает девушка. Каждый ее шаг вызывает гром благодаря сотне микрофонов, вшитых в подвесной пол, каждое ее движение - попытка разорвать эти нити. Все действие сопровождается игрой света, который то гаснет, оставляя светиться лишь один силуэт Коари, то выстраивается в лесенку, то стекает по нитям золотыми каплями.

«Сначала мой постановщик Орельен Бори захотел сделать спектакль марионеток, кукол, летающих на нитях. Но задумка не удалась: куклы получились очень тяжелые и на нитях смотрелись нелепо, - рассказывала Коари Ито воронежским журналистам перед спектаклем. - Орельен посмотрел на это и решил, что интереснее будет, если не марионетки будут висеть на нитях, а живой человек станцует среди них. Вот так я и стала главной героиней этого спектакля. Для меня сделали подвесную платформу, которую держат 5000 вертикально натянутых нитей, каждая нить весит 40 граммов. Они гибкие, но не резиновые, тонкие, но очень прочные. Между нитями в ряде 7 см, а между самими рядами - только 3 см. Они так близко, что я могу лежать на них, плавно спускаться, будто в полете. Нити для меня, как музыкальный инструмент: они так сильно натянуты, что я могу на них играть, как на струнах. Я могу раздвигать нити и проходить сквозь них, но в то же время они поддерживают меня и не дают упасть. Этот танец мне помогает обнажить душу».

В России Коари Ито четвертый раз. Несколько лет назад она уже приезжала сюда, чтобы провести курсы современного танца в Москве и Челябинске, также выступала на Чеховском фестивале.

«Мне нравилось, насколько дисциплинированными были ученики, хотя я очень строгий тренер, - поделилась Коари опытом преподавания в России. - Я старалась подстроиться под них, почувствовать их мысли и понять, что исходит изнутри их. Однажды я спросила, как заставить человека плакать и вообще можно ли это сделать через танец. И один мальчик принес на следующее занятие лук: тут я поняла, какие вы (русские) забавные. На курсах я пыталась передать людям свою манеру танца, преподать это так, чтобы они приняли ее на себя. И в конце даже получилось так, что ученики стали имитировать не только мой танец или жесты, но и прическу, с которой я ходила на занятия. Вообще я заметила, что все эти ребята - настоящие танцоры внутри, но как выплеснуть это, они не знают. Им нужно помочь. Вообще я всегда стараюсь привнести в танец то, что чувствую - это очень полезно для меня, так я чувствую, что очищаюсь».


Людмила Волкова
Фотографии Андрея Парфенова

Выставка «Inverso Mundus / Перевернутый мир»
в арт-центре «Коммуна»

<iframe width="740" height="416" src="https://www.youtube.com/embed/OBd0OC8DcYM?showinfo=0" frameborder="0" allowfullscreen=""></iframe>
Название AES+F, одной из самых успешных и знаменитых на Западе российских творческих групп, работающих в сфере видеоарта, состоит из первых букв фамилий ее участников. Татьяна Арзамасова, Лев Евзович и Евгений Святский объединились в 1987 году. В 1995 году к группе присоединился фотограф Владимир Фридкес. В Воронеж представлять проект «Перевернутый мир» на Платоновском фестивале приехал Евгений Святский.
Художники AES+F работают в жанрах фотографии, инсталляции, анимации, компьютерных технологий, живописи, скульптуры. Работы группы демонстрировались во многих странах Европы, в Канаде, США, Южной Америке, Австралии, Новой Зеландии, Японии, Южной Корее, Китае, неоднократно выставлялись на Венецианской биеннале - одном из самых авторитетных форумов мирового искусства. Не исключено, что такому международному успеху в какой-то степени способствует глобалистический вектор творчества AES+F: «Мы стараемся говорить о глобальных процессах, о проблемах, которые важны для всех. Эти же процессы происходят и в России, часто в гротескной форме. Мы не делим наших зрителей по национально-культурному принципу. Кому-то нравится, кому-то нет, кто-то умнее, кто-то глупее, у кого-то похожее чувство юмора, а у кого-то его нет. В эпоху глобализма личные качества важнее, чем национальная культура», - рассказывают участники группы в интервью порталу Look At Me.

Премьера 7-канальной версии видеоинсталляции «Inverso Mundus \ Перевернутый мир» состоялась в 2015 году на Венецианской биеннале. Воронежскому зрителю предлагают получить представление о последней работе группы, довольствуясь одноканальной версией, транслируемой на довольно скромный по размеру экран, что несколько уменьшает эффект воздействия художественного высказывания. Но, несмотря на кажущуюся скупость технических условий для демонстрации этого 38-минутного фильма, видео все же завораживает, а зритель, не страдающий скупостью воображения, вполне себе может «дорисовать» больший масштаб самостоятельно.

Мир наизнанку, перевернутый мир - популярная тема в европейском искусстве переходного времени, рожденная сломом средневековой системы ценностей под натиском новых знаний о мироустройстве. Большую популярность в XVI веке приобрели «перевернутые» сюжеты в анонимной лубочной гравюре - свинья, разделывающая мясника, человек, несущий на плечах осла… Нередко к мотивам «перевернутого мира» обращались и выдающиеся живописцы Иероним Босх, Питер Брейгель Старший, Франсиско Гойя. Художники группы AES+F помещают эти сюжеты в современный контекст.

Под медленную классическую музыку разворачиваются сцены из постапокалиптического параллельного мира, который населяют химеры и существа, одновременно похожие на людей, манекенов и даже на замаскированных зомби. Эти стерильные «люди» с искусственно красивыми телами и лицами без тени эмоций в сомнамбулическом трансе поливают из шлангов грязью улицы города; зомби в деловых костюмах за офисным столом сменяют зомби в ярких костюмах, казалось бы, намекая на свободу и индивидуальность, пришедшую на смену безликому миру бизнеса, но их жесты и движения один в один совпадают с жестами бизнес-зомби; нищие и проститутки подают милостыню богачам; красивые женщины пытают красивых мужчин на гламурных дизайнерских объектах; девочки и старухи в боксерских перчатках дерутся с мальчиками и стариками и в конечном счете одерживают победу; полицейские сливаются в любовном экстазе с неформальной молодежью на огромном ложе в музее, ложе взмывает в небо, вокруг него летают чудовища, в которых невольно угадываешь обычных земных зверей, жестко мутировавших после радиационного взрыва… В конце концов в воздухе появляются странные объекты, похожие на причудливые ракушки, эти загадочные архитектурные формы увеличиваются в размерах и количественно, одна из них растягивается на весь экран, будто поглощая зрителя, возможно, намекая на некую инопланетную субстанцию, которая трансформирует человеческую цивилизацию.

Сколько бы смыслов ни нашел зритель в этой, вне всякого сомнения, любопытной видеоинсталляции, ясно одно: искусственность и замогильность этого перевернутого мира если не ужаснет, то как минимум повеселит и самого большого фаната фильмов ужасов.

Выставка работает с 3 по 14 июня, билеты продаются на входе в арт-центр «Коммуна».


Дарья Кобзаренко
Фотографии автора

Камерата Королевского оркестра Концертгебау в филармонии

В минувшую субботу в филармонии выступила Камерата Королевского оркестра Концертгебау из Нидерландов. Коллектив представляет собой усеченный состав симфонического оркестра, в котором каждую партию вместо группы играет один человек. От этого концерта ждали многого: оркестр Концертгебау считается одним из лучших симфонических оркестров мира, а его исполнение, в частности, музыки Вагнера и Малера - эталонным. Сочинения именно этих двух композиторов предстояло услышать воронежской публике.
В качестве дирижера с Камератой приехал гобоист Алексей Огринчук, выступавший в прошлом году на Платоновском фестивале как солист вместе с еще одним оркестрантом Концертгебау, кларнетистом, французом Оливье Патеем. «Оливье очень расстроился, что на смог быть с нами в этот раз, - признался на пресс-конференции Огринчук. - И я его понимаю. Его здесь нет, но зато я привез шестнадцать других музыкантов».

Принцип, по которому из музыкантов оркестра Концертгебау формируется Камерата, очень прост. Как рассказали основатели Камераты, музыканты Хендрик Дайк и Анабет Веб, в коллективе существует определенное ядро, костяк, к которому волен присоединиться всякий оркестрант из Концертгебау при том условии, что он обладает некоей толикой безумия в хорошем смысле этого слова. Так, накануне выступления на Платоновфесте у оркестрантов была четырехчасовая репетиция в Нидерландской опере, которая закончилась в пол-одиннадцатого вечера, после чего Камерата в полночь погрузилась в самолет и прилетела в Москву, где в аэропорту в течение пяти часов ожидала рейса на Воронеж, получив перед выступлением фактически бессонную ночь.

«Зигфрид-идиллия» Рихарда Вагнера, звучавшая в первом отделении концерта, была написана комозитором в один из самых светлых периодов его жизни. Такой же получилась и музыка. Это произведение написано для 13 инструментов, а его премьера состоялась… около двери спальни супруги Вагнера, куда однажды утром композитор привел музыкантов. Это настоящая ода любви, которая звучит очень нежно и прозрачно. Именно о прозрачности музыканты говорили, отвечая на вопрос о втором произведении из своей концертной программы - Симфонии № 1 Густава Малера в обработке Клауса Симона для 16 инструментов.

Если кто-то, попав под воздействие громкого имени, ожидал увидеть на сцене «инопланетян», то этот человек, возможно, оказался разочарован. Как оказалось, Камерата Королевского оркестра Концертгебау состоит из живых людей, которым ничто человеческое не чуждо, особенно после бессонной ночи: качество исполнения, конечно, не было абсолютно безупречным. Те же, кто пришел послушать выдающуюся музыку в исполнении музыкантов мирового уровня, наверняка остались довольны, тем более, что свое высочайшее мастерство Камерата пусть не каждую секунду выступления, но все же демонстрировала.

А про «инопланетян» вспомнилось еще раз в самом конце вечера, когда Камерата, получив обильную порцию аплодисментов от благодарной публики, покидала сцену. Последние двое музыкантов, мужчина и женщина, уходили за кулисы прогулочной походкой и обнявшись. Как ни в чем не бывало, как будто и не было двухчасового концерта, сыгранного с полной отдачей, а парочка просто вышла на вечерний моцион. Ответ на вопрос, почему так могут вести себя западные исполнители академической музыки и не могут наши (ну, по крайней мере, ваш покорный слуга с этим не сталкивался), пожалуй, невольно дал сегодня на пресс-конференции итальянский виолончелист Марио Брунелло. Но это уже совсем другая история…


Кирилл Радин
Фотография Евгении Небольсиной

Выставка «Незавершенный Эйзенштейн» в арт-центре «Коммуна»

3 июня открылся арт-центр «Коммуна» - пространство Платоновского фестиваля, полюбившееся воронежцам еще в прошлом году.
На этот раз в рамках фестиваля здесь будут демонстрироваться 4 выставки, самой долгожданной из которых можно с уверенностью назвать проект «Незавершенный Эйзенштейн», созданный специально для форума. Экспозиция посвящена легендарной неоконченной киноленте Сергея Эйзенштейна и Григория Александрова «Да здравствует Мексика!» и состоит из 300 кадров этого фильма, 40 фотографий, запечатлевших рабочие моменты съемок, 40 напечатанных копий мексиканских рисунков Эйзенштейна, а также 16 «сопровождающих кадры» рисунков.

Автор и куратор этой выставки - известный киновед, историк кино, один из крупнейших специалистов по творчеству Эйзенштейна Наум Клейман, приехал в Воронеж на открытие «Коммуны». «Платоновский контекст - один из самых благородных, в которых только можно пожелать оказаться, - отметил Наум Ихильевич. - В теме погружения в утопию Платонов и Эйзенштейн перекликаются друг с другом. Фильм „Генеральная линия“ (подвергнутый цензурным переделкам и по личному указанию Сталина названный „Старое и новое“, этот фильм будет показан в арт-центре „Коммуна“ 8 июня - прим. ред.) очень точно подходит к размышлениям об утопии. Картина „Да здравствует Мексика!“ могла бы стать легендой кинематографа, но осталась незавершенной, а ни одна из версий монтажа так и не приблизилась к изначальной задумке автора. Представьте, сколько неосуществленных замыслов было и у Платонова, да и у всех гениев, по большому счету. Каждая новая эпоха будет рождать искушение доделать фильм Эйзенштейна, но замысел так и останется нереализованным, а значит открытым для бесконечного количества интерпретаций».

В 1929 году Эйзенштейн, Тиссэ и Александров поехали в длительную зарубежную командировку для детального ознакомления со звуковым кино. Авторитет Эйзенштейна способствовал тому, что одна из крупнейших американских фирм, «Парамаунт», обратилась к нему с предложением снять фильм в США. Однако этим планам не суждено было сбыться из-за возникших расхождений по сценарию. Другое предложение поступило от известного американского писателя Эптона Синклера - снять фильм о Мексике. Эпопея из отдельных новелл, посвященная истории и культуре страны, получила название «Да здравствует Мексика!». Синклер сам собирал финансирование на съемки картины, организовав «Трест мексиканского фильма Эйзенштейна». «Будем делать Reisefilm (нем. фильм-путешествие - прим. ред.), чтобы видеть Мексику из конца в конец. Может быть, всадим сюжетик, но все и без сюжета здесь очень занятно и интересно. Делаем, что здесь именуют, „независимую продукцию“ - группа денежных лиц по инициативе Уптона Синклера финансирует эту фильму: нас возят и кормят + карманные деньги без американских окладов, а затем будем иметь кое-что с проката», - писал Эйзенштейн другу в Москву в декабре 1930 года.

Съемочная группа с увлечением принялась за работу, было отснято более 70 тысяч метров пленки, материала исключительного по своей художественной ценности, но финансовые и производственные затруднения существенно затягивали весь процесс. Синклер сообщил Сталину, что финансирует мексиканский фильм и просил за одного из арестованных в СССР. К этому моменту финансовые ресурсы, которыми первоначально располагал Синклер, были значительно перерасходованы. Тем временем до Сталина дошли слова «доброжелателей» о нежелании Эйзенштейна возвращаться на родину. Вождь отказал Синклеру в освобождении арестованного, за которого тот просил, и стал оказывать давление на американского писателя, чтобы работа, результатов которой с интересом ожидал весь киномир, была прекращена: «Эйзенштейн потерял доверие его товарищей в Советском Союзе. Его считают дезертиром, который порвал со своей страной. Боюсь, люди здесь вскоре потеряют к нему интерес…». Тогдашний руководитель советской киноиндустрии Борис Шумяцкий слал телеграммы в Мексику с требованием срочного возвращения съемочной группы в Советский Союз под предлогом «явно неблагополучного художественно-идеологического качества наших фильмов последнего периода, заставляющие концентрировать все лучшие силы на борьбу с этим прорывом». «Дальнейший Ваш отрыв от советской кинематографии со всех точек зрения недопустим. Голливуд и теоретические эксперименты в нем, конечно, не плохая вещь, но ждущие Вас в СССР работы - во сто крат важнее», - писал Шумяцкий Эйзенштейну и Александрову. Примечательно, что через 7 лет он будет приговорен к расстрелу.

Съемочной группе пришлось вернуться в СССР. Отснятый материал был направлен для проявки в Голливуд, где и остался: чтобы окупить затраты на картину, Синклер разрешил использовать материал за деньги, которых, разумеется, у советских кинематографистов, не было. Пленка попала в Советский Союз почти полвека спустя, когда уже не было в живых ни Эйзенштейна, ни оператора фильма Тиссэ. В 1979 году Григорий Александров завершил фильм «Да здравствует Мексика!», восстановив ход съемок и осуществив предполагаемый авторский монтаж. Спустя почти двадцать лет сценарист, режиссер и историк кино Олег Ковалов сделал свою версию картины под названием «Сергей Эйзенштейн. Мексиканская фантазия», которую можно посмотреть на YouTube. Скандальный фильм о мексиканских приключениях автора «Броненосца Потемкина» «Эйзенштейн в Гуанахуато» представил на Берлинском кинофестивале в 2015 году Питер Гринуэй.

Выставка работает с 3 по 14 июня ежедневно с 10:00 до 23:00 (без выходных), кроме 11 июня - до 18:00, и 12 июня (Фестивальная ночь) - до 00:00.


Дарья Кобзаренко
Фотографии Евгении Небольсиной и Андрея Парфенова

Спектакль «Белое на белом» в Театре драмы им. Кольцова

Вчера на большой сцене Воронежского театра драмы имени А. Кольцова состоялся первый показ спектакля «Белое на белом» в постановке Компании Финци Паска (Швейцария).
Это не первый спектакль выдающегося швейцарского режиссера, клоуна, хореографа и актера Даниэле Финци Паска, который увидел воронежский зритель. В 2010 году в Воронежском концертном зале была показана феерическая фантазия «Донка. Послание Чехову» на тему записных книжек и произведений Антона Чехова. Спектакль был создан при участии Международного театрального фестиваля им. А. П. Чехова, в рамках региональной программы которого прошли показы «Донки» в городах Центральной России. Воронеж оказался первым из их числа.

В день первого показа «Белого на белом» занятые в спектакле актеры - бразильянка Элена Биттенкорт и голландец Гус Меусэн, которые, ко всему прочему, еще и супруги, встретились с журналистами. Элена ранее уже была в Воронеже с труппой спектакля «Донка» и с восхищением отзывается о русской культуре и русском народе. У обоих богатое цирковое прошлое, в числе их многочисленных проектов - участие в создании церемоний открытия и закрытия Олимпийских Игр в Сочи в качестве помощников режиссера Даниэле Финци Паска.

«Белое на белом» - последняя и самая камерная постановка Компании Финци Паска, созданная в любимой режиссером эстетике «театра ласки». Это синтез клоунады, акробатики, актерской игры, танца, музыки и множества техник, связанных с ритмом, движениями, легко и изящно вовлекающий зрителя в атмосферу визуальной поэтики трогательного и наивного, нежного и воздушного действа. Хрупкость - одно из ключевых понятий для клоуна, по мнению Элены и Гуса. В отличие от традиционного цирка, в котором главная задача клоуна - рассмешить, актеры в спектаклях Финци Паска работают больше с внутренней составляющей и заставляют зрителя задуматься о хрупкости человеческих чувств.

Спектакль «Белое на белом» соткан из памяти и маленьких очаровательных деталей, которые долгие годы живут в ней и помогают воссоздавать образы из прошлого. В этом смысле постановка почти интимна - поначалу даже чувствуешь себя немного неловко оттого, что вошел в чужое пространство памяти. Бесконечная череда воспоминаний, которая сплошным потоком текста выплескивается на зрителя из уст актрисы, разбавляется наивной и смешной клоунадой рабочего сцены, который неуклюже помогает партнерше донести свой монолог до зрителя. Через какое-то время он и сам начинает вплетать свои воспоминания в ее рассказ, и их поля памяти объединяются в одну душещипательную историю о том, что мы все сделаны из хрусталя, и любая царапина на сердце - как трещина на хрустальной вазе; о том, что мир полон людей-заноз, а любую пустоту всегда можно заполнить любовью, зная, что секрет - в Свете. Свет здесь и правда выступает как полноценный персонаж спектакля: лес из 360 лампочек - не просто декорация, он в полном смысле этого слова «играет» с актерами и завораживает зрителя. Чем ближе повествование движется к своему финалу - тем яснее становится, что и лес лампочек, и голова бегемота, и другие детали на сцене - не просто так, все они тоже часть воспоминаний. История жизни мальчика Руджеро со всеми трещинами судьбы превращается в нежную историю любви, а та - в печальную историю о болезни его возлюбленной. Но, как в сказке со счастливым концом, любовь победила болезнь.

К большому сожалению, в реальной жизни чуда не произошло - супруга Даниэле Финци Паска Жюли ушла из жизни в мае этого года.


Дарья Кобзаренко
Фотографии Евгении Небольсиной

Сегодня выступят Александр Ситковецкий и Максим Рысанов

Вчера в Доме журналистов прошла пресс-конференция участников VI Платоновского фестиваля, скрипача Александра Ситковецкого и альтиста Максима Рысанова. Бывшие наши соотечественники ныне живут в Лондоне, хотя правильнее было бы сказать - живут в разъездах, а в Лондон просто возвращаются домой. Сегодня в 18.00 в филармонии начнется концерт, на котором в сопровождении Воронежского академического симфонического оркестра Ситковецкий и Рысанов исполнят сочинения Моцарта, Генделя и Мартину для скрипки и альта. А утром мы побывали на открытой репетиции, на которой музыканты исполнили всю программу сегодняшнего концерта.
Дуэт двух русскоязычных британцев продемонстрировал высочайший уровень мастерства - как индивидуального, так и ансамблевого. Высшим комплиментом для любого музыкального коллектива будет сказать, что они играют «как один человек» - в плане единства звучания, единства воли. Рысанов и Ситковецкий настолько едины, что даже чередование звуков в трелях у них иногда совпадало нотка в нотку. Слушать трели в их исполнении было особым удовольствием, благо музыка Моцарта ими изобилует. Однако этот дуэт может звучать не только как один человек, но и как квартет - по сочности звучания, и даже как орган - по тембру. Потрясающую культуру звука продемонстрировал Александр Ситковецкий - такой звук иногда называют породистым, поэтому невозможно было не вспомнить, какую мощную династию представляет этот музыкант.

Его двоюродный дед Юлиан Ситковецкий (обучавшийся, кстати, игре на скрипке у собственного отца) - знаменитый советский скрипач, победитель всесоюзного конкурса музыкантов-исполнителей (в один год с ним на этом конкурсе стали победителями пианист Святослав Рихтер и виолончелист Мстислав Ростропович), участник знаменитого Квартета им. Чайковского. Юлиан Ситковецкий не настолько известен, как, скажем, Леонид Коган или Владимир Спиваков, по одной простой причине - его жизнь оборвалась, когда музыканту было всего 32 года. Его сын Дмитрий - также известный скрипач и дирижер. Наконец, отец Александра Ситковецкого, тоже Александр, - очень известный музыкант, основатель рок-групп «Високосное лето» и «Автограф». О том, как Александр-младший умудрился не заразиться от своего отца желанием играть рок-н-ролл, мы и спросили у него на пресс-конференции.

- Вообще я всегда очень любил рок-музыку. Первая песня, которую я помню в своей жизни, - это «Stairway To Heaven» группы Led Zeppelin: мой папа все время ставил ее в машине. Он вообще всегда был громадным фанатом этой группы. Меня не занесло в мир рока, потому что папа постоянно был в разъездах. Я, конечно, ходил на концерты, когда он выступал в Москве, но моя мама, пианистка, была со мной рядом постоянно. Она хотела, чтобы я стал скрипачом, и ее слово сыграло решающую роль, хотя дома никогда не звучало каких-то нехороших слов о роке. В целом я до сих пор очень люблю рок-музыку, и если хочу расслабиться, то скорее поставлю себе что-то из рока, потому что классическая музыка вольно или невольно заставляет включиться.

Кстати, сегодня, 3 июня, у Александра Ситковецкого день рождения, с чем на открытой репетиции симфонический оркестр поздравил его троекратным тушем. Рысанов же не упустил случая подколоть друга шуткой, обратившись к залу: «В честь своего дня рождения Александр сегодня исполнит любой каприс Паганини на ваш выбор!».

Альтист Максим Рысанов, в отличие от сегодняшнего именинника, на Платоновском фестивале выступает во второй раз: в прошлом году он исполнил альтовый концерт Михаила Плетнева в сопровождении Российского национального оркестра под управлением автора. И после сегодняшнего выступления музыкант не покинет Воронеж, а останется здесь еще минимум на два дня: 5 июня ему предстоит принять участие в очень интересном концерте, о котором мы непременно расскажем.


Кирилл Радин
Фотографии Евгении Небольсиной и Романа Остроухова

Открылась выставка «Живу и вижу»

Вчера в областном художественном музее им. Крамского открылась самая масштабная выставка VI Платоновского фестиваля - «Живу и вижу», включающая в себя около ста произведений живописи, графики и фотографии художников-нонконформистов, главным образом «Лианозовской школы», из коллекции поэта и художественного критика Всеволода Некрасова. Это работы Евгения Кропивницкого, Ильи Кабакова, Ольги Потаповой, Лидии Мастерковой, Оскара Рабина, Владимира Немухина, Олега Васильева, Эрика Булатова, Франциско Инфанте-Араны.
Выставка «Живу и вижу» - первый опыт сотрудничества Платоновского фестиваля с Государственным музеем изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. По словам художественного руководителя фестиваля Михаила Бычкова, это один из самых «живых», современных и интеллигентных музеев нашей страны, который смог оперативно решить все вопросы по подготовке и организации экспозиции, ставшей достойной заменой отмененной выставки авангарда из Русского музея.

Переговоры Пушкинского музея с Воронежем, оказывается, велись уже давно. Как рассказала заместитель директора по развитию ГМИИ им. Пушкина Анна Трапкова, прошло уже полтора года с тех пор, как музей договорился с правительством Воронежской области о совместных проектах, но в силу разных обстоятельств только сейчас эти намерения реализовались. «Живу и вижу» - на сегодняшний день самая большая выставка коллекции Всеволода Некрасова, которая складывалась на протяжении пятидесяти лет и прекратила пополняться со смертью поэта в 2009 году. Некоторые работы были отреставрированы и подготовлены специально для Воронежа.

Всеволод Некрасов с конца 1950-х годов вместе с Генрихом Сапгиром, Яном Сатуновским, Игорем Холиным входил в неформальную творческую группу «Лианозово», сложившуюся вокруг поэта и художника Евгения Кропивницкого и художника Оскара Рабина. Собиравшиеся в квартирке барака № 2 на железнодорожной станции Лианозово, «поэты окраин и мещанских домиков», художники, которым был тесен мир патриотических картин и идеологических лозунгов, отчаянно искали прерванную нить, связывавшую с прошлым - русским авангардом начала ХХ века, словно хотели вычеркнуть период соцреализма из истории и вернуться в прошлое. Они рисовали неприглядную обыденность жизни - барачные поселки и станции, помойки, ежедневную реальность «коптящих небо». Но в их творчестве, тем не менее, не заметишь «чернухи», и барак, отражающийся в луже - как храм и скорее говорит о поиске духовных основ, которым пропитаны 60-е годы. «Мы предлагаем зрителю попытаться понять, как эти одиночки искали свои пути в прошлое, - объясняет концепцию выставки ее куратор, ведущий научный сотрудник отдела личных коллекций ГМИИ им. А. С. Пушкина Анна Чудецкая. - Ведь у каждого был свой способ. Оскар Рабин, например, искал свой путь в прошлое посредством социального протеста: „Хотите рисовать генералов и букеты сирени? А давайте посмотрим, что у нас реально под носом происходит: бутылка водки, помойка, баки“».

«Мне кажется, опыт художников оттепели недостаточно впитан, проработан и творчески осмыслен, - делится Анна Чудецкая. - Он оказался в какой-то отдельной нише, и, возможно, поэтому мы сейчас чувствуем себя неуверенно в нашем современном искусстве. И сами художники ищут, и зритель в растерянности, и даже искусствоведы в растерянности. Сегодня нам всем не хватает искусствоведческого осмысления, которое бы дало нам координаты в современном искусстве. И вот я предлагаю сделать такой шаг назад, осознать то, что практически уже 50 лет назад произошло, найти координаты в этом. Может быть, это поможет нам подойти к современной ситуации. В конце 80-х более простые течения изобразительного искусства, например, соцарт, оказались на пике популярности и затмили „лианозовцев“, эту маленькую группу экспериментаторов. Сейчас интерес к ним возрождается, мы начинаем понимать, что это надо как-то изучать, воспринимать. Третьяковская галерея на следующий год готовит огромную выставку „Искусство оттепели“, попытки есть».

Отдельную благодарность представители Пушкинского музея выразили сотрудникам музея им. Крамского и даже нашли некую символичность в том, что именно этот музей принимает выставку «Живу и вижу» в Воронеже - ведь именно Иван Николаевич Крамской в 1863 году возглавил так называемый бунт четырнадцати - когда лучшие выпускники Императорской Академии художеств выразили свой протест против принятой Академией программы, отказались от участия в конкурсе на большую золотую медаль и покинули учебное заведение. Художники «Лианозовской школы» - бунтари «оттепели», воронежский зритель имеет уникальный шанс открыть для себя имена этих художников и поэтов, сыгравших свою роль в этой эпохе.

Выставка продлится до 31 июля.
Часы работы: ежедневно с 10:00 до 18:00
По четвергам с 12:00 до 20:00
Билеты - в кассе музея им. И. Н. Крамского

9 июня в 18:00 в музее им. Крамского состоится поэтический вечер, приуроченный к выставке - воронежские поэты будут читать стихи поэтов «Лианозовской школы». Вход свободный.


Дарья Кобзаренко
Фотографии Евгении Небольсиной

«Носороги» открыли театральную программу Платоновского фестиваля

Помните недавний комедийный триллер «Грэбберсы», в котором только сильно пьющий герой с массой проблем и недостатков смог сопротивляться вселенскому злу? Вот примерно что-то подобное происходит в пьесе «Носороги» основоположника театра абсурда Эжена Ионеско, постановкой которой открылся вчера VI Платоновский фестиваль искусств.
Действие пьесы происходит в европейском провинциальном городке, жители которого внезапно начинают превращаться в носорогов. С каждым днем грозных зверей, бегающих по городским улицам, становится все больше, и только один человек, не представляющий из себя ничего героического и полный всяческих пороков, оказывается способен противостоять им. Именно этот персонаж и становится олицетворением всего человеческого в пьесе Ионеско. Для него главное - не бежать в стаде толстокожих животных.

Пьеса «Носороги» была написана вскоре после Второй мировой войны, и в первую очередь общество увидело в ней антифашистскую направленность. Режиссер самой первой постановки во Франции Жан-Луи Барро даже использовал в качестве костюмов немецкую военную форму. Но со временем трактовка пьесы стала шире, и образ носорогов в ней стал ассоциироваться со всеми негативными вещами, которые происходят в нашем обществе.

У пьесы завидная судьба. Она обошла многие мировые сцены. Одной из самых известных постановок считается спектакль Орсона Уэллса с Лоуренсом Оливье, впервые показанный в лондонском Ройял-Корт в 1960 году. Театр вернул «Носорогов» на сцену в 2007 году с Бенедиктом Камбербэтчем в главной роли.

Роберт Уилсон, постановщик «Носорогов», которых вчера показали в Воронежском концертном зале, не нуждается в представлении. Американский театральный режиссер, сценограф и драматург - один из крупнейших представителей театрального авангарда конца ХХ - начала XXI века. Каждая его постановка - это настоящий пир для глаз, полностью переворачивающий представление зрителя о возможностях театра. Каждая деталь в спектаклях Уилсона - свет, звуки, движения актеров, грим - выверена до мелочей. Примечательно, что Ионеско и Уилсон были знакомы: они встречались в Париже, где драматург предложил американскому режиссеру поставить одну из его пьес. Спустя почти 45 лет Роберт Уилсон осуществил эту идею и поставил одно из самых сложных произведений Ионеско у него на родине - в Румынии.

Постановка «Носорогов», с которой в Воронеж приехал румынский Национальный театр Крайовы, считается самым технически сложным спектаклем на нынешнем Платоновфесте. Именно поэтому, по словам помощника режиссера Шарля Шеми, представители театра и опоздали на пресс-конференцию. Румыны пришли на встречу с журналистами на 15 минут позже назначенного времени, а на лице актера Клаудиу Бленца был заметен не до конца смытый грим, и он, очевидно, забыл открепить маленький микрофон, приклееный к его щеки пластырем. «Кстати, сам Роберт Уилсон терпеть не может наносить грим, - поделился секретом актер. - У него есть небольшая роль в одной из его постановок, и каждый раз перед спектаклем он кричит и верещит».

«Иногда из-за сложного подготовительного периода мы задерживаемся на пару часов, - признался Шеми журналистам. - И все равно никогда, ни в одном театре, в котором мы выступали, нам еще не удавалось воплотить всю идею Роберта Уилсона на все сто процентов. Но мы очень стараемся и делаем все возможное. Так что если в техническом плане у нас не все получается, то в творческом - выкладываемся полностью. Несмотря на всю техническую сложность, главное в нашем спектакле - это люди».

«Носороги» начали удивлять воронежских зрителей, еще не начавшись. Входивших в зал ВКЗ встречали угрожающий рык и говорящие головы, торчавшие прямо из сцены и исчезнувшие, как только был объявлен выход на сцену художественного руководителя Платоновского фестиваля Михаила Бычкова.

Когда смотришь «Носорогов», понимаешь, почему важен каждый участник труппы, причем не только актеры, но и технические работники. Каждый звук, каждое движение артистов, каждая вспышка света синхронизированы, чтобы на выходе, слившись в одно, представить ошеломленному (а порой и оглушенному) зрителю поражающее воображение действо. Буквально каждую сцену спектакля можно было смело фотографировать и вставлять в рамку. «Конечно, Боб Уилсон не мог поставить простого спектакля, - говорил на пресс-конференции директор театра Крайовы Александру Боуряну. - Посмотреть „Носорогов“ - это почти как сходить на выставку современного искусства».

Прямо посреди пресс-конференции Александру заявил, что ему не нужно задавать вопросы, потому что у него самого есть заявление. «Наша труппа очень гордится тем, что смогла приехать выступить в России. Мы все очень любим русскую культуру. Спектакли по русским произведениям - самые красивые, конкуренцию им могут составить разве что шекспировские, - улыбаясь сказал Александру. - Вы даже представить себе не можете нашу радость, когда мы все очутились на Красной площади!»

P. S. Если после всего вышеизложенного сравнение, с которого мы начали, кажется вам несколько неуместным, то знайте - среди экранизаций знаменитой пьесы Ионеско значится фильм под название «Зомби-стриптизерши»! Ну не запретишь же создателям второразрядного американского кино вдохновляться произведением великого драматурга и заменять носорогов на зомби.


Роман Дранников
Фотографии Романа Остроухова

Открылась выставка «Театр Таирова и Коонен»

Первым событием в рамках VI Платоновского фестиваля стало открытие выставки «Театр Таирова и Коонен» в выставочном зале на Кирова, 8. Примечательно, что на сегодня это первая и единственная выставка эскизов Московского камерного театра в России и мире. Ее организатор - театральный музей им. А. А. Бахрушина, который уже в третий раз привозит в Воронеж шедевры русского театрально-декорационного искусства.
На открытии выставки перед гостями выступили художественный руководитель Платоновфеста Михаил Бычков, заместитель генерального директора музея им. А. А. Бахрушина Юлия Литвинова и куратор выставки Мария Липатова.

Александр Таиров - основатель и художественный руководитель Московского Камерного театра. Он же является постановщиком основной массы спектаклей, в которых играла его жена и муза - Алиса Коонен. Первый спектакль - «Сакунтула» по пьесе древнеиндийского драматурга Калидаса - публика увидела в декабре 1914 года. Эта пьеса на основе индийского эпоса была впервые поставлена в России именно Камерным театром.

После закрытия театра прошло более 60 лет, но остался живой интерес к искусству прошлого и к персоне Александра Таирова в частности. Ведь он вместе со Станиславским и Вахтанговым в свое время прокладывал путь новому театру. О том, как пришла идея создать выставку, рассказала Мария Липатова:

В 2014 году наш музей выпустил каталог эскизов Московского камерного театра. Конечно, показать целиком 35-летнюю историю очень сложно, поэтому мы выбрали 12 ключевых постановок, которые отразили в эскизах, воссозданных костюмах Алисы Коонен и экспонатах. Так, на выставке представлена подлинная обувь Алисы, в которой она выступала на сцене.

Еще один интересный экспонат - «Театр-дом». Это игрушечная квартира Таирова и Коонен, которая находилась в самом театре. А в ней - уникальные куклы, с помощью которых Таиров продумывал постановки.

Завершают экспозицию экспонаты из оперы-фарса «Богатыри» и спектакля «Мадам Бовари» по Гюставу Флоберу. «Богатыри» знамениты тем, что именно этот спектакль принято считать началом конца Камерного: власти назвали постановку «чуждой народу» и подвергли театр травле. Вернуть все на круги своя Таиров так и не смог. А инсценировку «Бовари» сделала сама Коонен: она мечтала сыграть Эмму Бовари и выступила в этой роли блистательно. Флоберовская пьеса - это последняя яркая работа Камерного театра. В 1949 году театр закрыли, а на его месте основали Московский драмтеатр. Современники Таирова отмечали, что при подготовке спектаклей он всегда уделял декорациям особое внимание. В его команде работали многие знаменитые художники того времени - П. Кузнецов, братья Стенберги, В. Щуко, поэтому оформление сцены всегда было на высшем уровне.

Мария Липатова также отметила, что при подготовке выставки ее создатели опирались на мемуары самой Алисы Коонен. Именно они рассказали многое о главных героях этого театра, о людях, даже инициалы которых складываются в «Камерный театр» - Коонен и Таиров.


Людмила Волкова
Фотографии Евгении Небольсиной