Новые альбомы,
которые мы слушали
в апреле

На концерте Билли Эйлиш можно запросто встретить Тома Йорка, а Дейв Грол сравнивает хайп вокруг нее с тем, что творилось в 1991 году с группой Nirvana, и говорит, что пока появляются такие исполнители, за судьбу рок-н-ролла можно не беспокоиться. Чем же приглянулась эта юная исполнительница грандам рок-сцены, а заодно и слушателям по всему миру, прослушавшим ее дебютный альбом «When We All Fall Asleep, Where Do We Go?» 118 миллионов раз в первую же неделю после релиза?

Шумиха вокруг Билли Эйлиш началась уже сразу после выхода EP «Don't Smile At Me» 2017 года. 16-летняя девушка сразу же отправилась в мировой тур, подписала контракт с крупным модельным агентством Next, а Apple Music включили ее в список главных артистов следующего поколения. Ее интровертный образ пришелся по вкусу многим по обе стороны океана.

В социальных сетях певица откровенно рассказывает о своих психологических проблемах и личных переживаниях, что находит мгновенный отклик у миллионов подростков. «When We All Fall Asleep, Where Do We Go?» Эйлиш записала вместе со своим братом Финнеасом О’Коннеллом. Тут он проявил себя как саунд-дизайнер и как соавтор нескольких песен. Эйлиш прекрасно обходится без армии приглашенных продюсеров и битмейкеров, что, конечно, нетипично для современной поп-музыки.

Альбом условно можно разделить на две части: первая преимущественно состоит из мрачноватых песен с перегруженным басом и упругими лоу-файными битами, а вторая, наоборот, более спокойная и печальная, где особенно чувствуется влияние Ланы Дель Рей, по словам Эйлиш, очень сильно повлиявшей на ее мировоззрение.

На «When We All Fall Asleep, Where Do We Go?» Эйлиш поет о своих ночных кошмарах, антидепрессантах и личных отношениях, да и вообще, кажется, девушка придает текстам серьезное значение. «Я пытаюсь писать о том, о чем все думают, но не говорят. Я не всегда говорю о каких-то глубоких вещах, но при этом придаю знакомым вещам новый смысл, о котором вы не могли и подумать» — рассказывает певица в одном из своих недавних интервью.

Когда участники лондонской группы Fat White Family записали все песни, которые планировали включить в свой третий лонгплей «Serfs Up!», то обнаружили, что альбом получился слишком коротким. «Тогда мы все закинулись микродозами кислоты и в кратчайший срок написали еще пару песен, одна из которых — „I Believe in Something Better“. Хороший день был», — вспоминает явно увлекательный процесс записи пластинки гитарист группы Сол Адамчевски. Стоит отметить, что «I Believe in Something Better» идет второй по порядку на новом альбоме, поэтому в том, что день был действительно хорошим, сомнений не возникает.

Открывает же пластинку сингл «Feet», мрачный диско-номер и стопроцентный инди-хит, который наверняка еще закрутят на модных вечеринках. Правда, эта песня не дает никакого представления о том, что ждет слушателя дальше. «Serfs Up!» — весьма эклектичная работа и, несомненно, лучшее, что удавалось сделать Fat White Family за свою непродолжительную карьеру.

Группа известна провокационным юмором, острой сатирой и лоу-файным звуком. Несмотря на то, что предыдущие два альбома коллектива нашли своих слушателей, все время было ощущение, что музыканты способны на большее. Небольшая инъекция поп-музыки пришлась Fat White Family очень кстати. Новый альбом — их первая работа на известном лейбле Domino — звучит гораздо более амбициозней, чем предыдущие пластинки группы.

В «Oh Sebastian» группа экспериментирует с чембер-попом в духе легендарного альбома The Beach Boys «Pet Sounds», эпатажная «Vagina Dentata» звучит как гибрид Tame Impala и Элтона Джона, «Tastes Good With the Money» начинается с григорианского хорала, а продолжается глэм-роком в духе Марка Болана, посвященная северокорейскому лидеру «Kim's Sunsets» — это вообще какое-то космическое регги. Завершает альбом не менее космический фанк-номер «Bobby's Boyfriend» о сложностях отношений с секс-работниками.

За вывеской Weyes Blood стоит тридцатилетняя американка Натали Меринг, «Titanic Rising» — ее четвертый студийный альбом. Вышедший на культовом лейбле Sub Pop, специализирующемся на громкой гитарной музыке, «Titanic Rising» представляет собой нечто противоположное.

Новая работа Меринг — это мечтательный барокко-поп, корни которого стоит искать в работах Кейт Буш и раннего Скотта Уокера. «Альбом похож на кубик Рубика, — говорит певица. — Я старалась сделать его одновременно футуристичным и нарочито древним. Мне потребовалось потратить много сил, чтобы сделать это правильно».

«Titanic Rising» состоит из десяти неторопливых песен, большая часть которых совершенно лишена каких-либо примет сегодняшнего времени. Мечтательные песни Меринг, с размашистыми оркестровыми партиями и многослойными клавишными, вызывают стойкие ассоциации с помпезной поп-музыкой 70-х годов. Но есть на альбоме и пара сюрпризов, которые совсем не портят царящую тут ретро-атмосферу: это полутораминутная эмбиент-интерлюдия заглавной «Titanic Rising» и «Movies», которую хочется назвать пиком всего альбома.

Symfonia pieśni żałosnych (Symphony of Sorrowful Songs, Симфония скорбных песен) написана в 1976 году польским композитором Хенриком Горецким для солирующего сопрано и симфонического оркестра, а ее первое исполнение состоялось уже через три месяца. Спустя почти 40 лет к этому сочинению обратились солистка Portishead Бет Гиббонс и Польский Национальный симфонический оркестр: исполнение состоялось в 2014 году в Варшаве, а до издания дело дошло только сейчас. Симфония посвящена вселенской любви матери к своему ребенку и разлуке между ними, неизбежной во время войны. Оркестром дирижировал Кшиштоф Пендерецкий — выдающийся польский композитор, одна из главных фигур музыкального авангарда XX века.

Симфония состоит из трех частей: каждая — со своей самостоятельной историей, но все они объединены общей темой отношений между матерью и ребенком. Основой для первой истории является библейский текст, в котором Дева Мария обращается к умирающему на кресте Иисусу Христу, стараясь облегчить его страдания. Вторая часть написана на слова, выцарапанные 18-летней Хеленой Вандой Блажусяк на стенах гестаповской тюрьмы в 1944 году («О, мама, не плачь, не надо. Царица Небесная, будь всегда для меня опорой»). А последняя история основана на польской народной песне — рассказе о женщине, которая ищет своего сына на поле боя.

Чтобы подготовиться к исполнению этого произведения, Бет Гиббонс, не говорящая по-польски, работала с фонетической интерпретацией оригинального текста и совершенствовала свой вокал. Все дело в том, что Симфония скорбных песен написана для сопрано, что на регистр выше привычного для Гиббонс контральто. Подготовка заняла длительное время, так как от Гиббонс, не имеющей большого опыта работы с таким материалом, еще требовалось хорошо отточить правильное польское произношение.

Для Стивена Уилкинсона, выступающего под творческим псевдонимом Bibio, «Ribbons» — десятый студийный альбом. За свою карьеру Bibio заслужил реноме музыканта, соединяющего, казалось бы, несовместимые вещи. Не является исключением и «Ribbons». В отличие от предыдущего альбома «Phantom Brickworks», наполненного эмбиентными звуковыми ландшафтами, на «Ribbons» Bibio возвращается к эксперименту по созданию гибрида из IDM и фолка.

Открывает альбом инструментальная пьеса «Beret Girl», которая задает тон всему альбому. Несколько более традиционных песен, например, «The Art of Living» или «Watch the Flies», с их сложными и извилистыми гитарными арпеджио раскрывают фолковую сторону пластинки и могут даже напомнить альбом Ника Дрейка «Pink Moon».

В середине расположились два наиболее насыщенных электроникой номера — «You Couldn’t Even Hear The Birds Singing» и «Pretty Ribbons And Lovely Flowers», после чего Уилкинсон снова возвращается к пасторальной и фолковой атмосфере в «Erdaydidder-Erdiddar».

Группа The Drums, получившая свою долю известности в начале 2010-х благодаря хитам «Let’s Go Surfing» и «Money», уже достаточно давно переформатировалась из квартета в сольный проект лидера коллектива Джонатана Пирса, который является единственным постоянным участником группы. На своем пятом студийном альбоме, который назван в честь архитектурного стиля, зародившегося в 1950-х годах, он продолжает развивать идеи, которые можно было найти на прошлых альбомах The Drums.

Это все те же наивные и не лишенные своего очарования песни, украшенные синтезаторами, будто бы позаимствованными из игр про супербратьев Марио. 35-минутный альбом, наполненный фирменным прыгучим электро-попом, идеально подойдет для прослушивания в обеденный перерыв на свежем воздухе. Особняком на пластинке стоит медленная акустическая «Nervous», которая вносит приятный момент разнообразия.

На своем девятом альбоме культовый британский дуэт вернулся к своим музыкальным корням. Анонсируя новый альбом, The Chemical Brothers отметили, что «No Geography» записывался при помощи винтажного оборудования, которое они использовали в работе над своими первыми альбомами. Часто заявления о «возвращении к корням» не сулят ничего хорошего. Как правило, это является спекуляцией на ностальгических чувствах фанатов, но, что самое главное, — первым звоночком об отсутствии новых идей. В случае The Chemical Brothers дела обстоят совершенно противоположным образом.

Складывается ощущение, что английский дуэт сбросил лишний груз и на «No Geography» все зазвучало лаконичней, прямолинейней и мощней. Эта сдержанность в выборе музыкальных средств выражается еще в том, что все вокальные партии на альбоме исполнила норвежская певица Aurora. Это сильно контрастирует с недавними альбомами дуэта, где было чересчур много приглашенных певцов.

Преимущественно «No Geography» состоит из энергичных и иногда даже яростных треков, которые незаметно перетекают друг в друга, от чего прослушивание альбома напоминает продолжительный живой диджей-сет. Исключением является финальная «Catch Me I’m Falling», в которой The Chemical Brothers снижают темп, выводя на первый план парящие синтезаторы и вокал.

Второй студийный альбом вашингтонского постпанк-квартета, чей эклектичный дебютный лонгплей стал одним из главных фаворитов музыкальной прессы в 2017 году.

За время, прошедшее с момента выхода первого альбома, группу покинул бас-гитарист Тейлор Мюнитц, что вполне ожидаемо повлияло на звук нового альбома. По сравнению с прошлой работой «The Seduction Of Kansas» звучит более «причесанным», на нем почти совсем нет гулкого и нойзового звука. Но будет большим преувеличением назвать «The Seduction Of Kansas» заурядной и компромиссной работой. Добротный поп заглавной песни тут сменяется диким танцевальным постпанком в «Good Time Charlie» и «Control Freak».

В одном из интервью группа призналась, что главными музыкальными источниками вдохновения для них послужили «Mezzanine» Massive Attack, «Third» Portishead и «The Downward Spiral» Nine Inch Nails. При прослушивании «The Seduction Of Kansas» не сказать, что это влияние чувствуется, но отметить хороший музыкальный вкус Priests стоит.

Продолжение альбома «The Road: Part 1», вышедшего два года назад. Причем, по словам идеолога коллектива Джеймса Лавеля, «The Road: Part II / Lost Highway» стоит считать не новым студийным альбомом Unkle, а скорее дополнением, состоящим из песен, записанных во время работы над первой частью. Такого материала накопилось аж 22 трека, среди которых есть несколько коротких эмбиентовых интерлюдий, но большая — именно полноценные песни.

Как часто бывает у Unkle, на «The Road: Part II / Lost Highway» очень много интересных приглашенных гостей: Том Смит из Editors, Марк Ланеган, Дхани Харрисон, шугейз-коллектив The Big Pink, гитарист The Clash Мик Джонс, фолк-рокер Китон Хенсон и многие другие.

При прослушивании этого материала возникает мысль, что из него мог получиться очень крепкий полноценный альбом из 10−12 песен, который отлично бы вписался в дискографию Unkle. С другой стороны, заметно, что песни на «The Road: Part II / Lost Highway» слишком отличаются друг от друга по звуку и не факт, что сложились бы в единое целое. Тем не менее на альбоме есть несколько прекрасных номеров, которые точно нельзя пропускать: эпичное начало — «Requiem (When You Talk About Love)», ретро-спейс-рок «Powder Man», танцевальная «Touch Me», а также нервная пульсирующая «Nothing to Give».